interviewer, editor, translator：Shoko Takayama, Maya Nakamura
assistant translator：Bae Suhyun, Caitlin Coker

We set up an unique meeting between two of the most popular “Hot Summer” teachers, Ko Murobushi and Jung Young-Doo, artists from different countries and generations, dancing across borders. The time we shared with them was so rich with miscommunication and discommunication that we decided to release its video document as it was with subtitles. (Click here to the video and Japanese digest version!)

Interviewer : Could you start with a keyword “East Asia”?

Murobushi : I am… of course you know something about Butoh. I started dancing when I saw Tatsumi Hijikata. But I have gone to France since the end of 70’s. So I jumped to Europe over Asia in a way.
Though I wanted to know more about Asia, (* Murobushi said later that he has actually been in many countries in Asia, like Korea, China, India, Thailand, Indonesia, and the Philippines.) I just have certain knowledge about that, and cannot say much about it. And my way of thinking has changed after I went to Europe.
The topic of “East Asia” will be more familiar to Mr. Jung. I want to hear your opinion about so-called Korean Dance or Japanese Dance. That’s my first impression.

Jung : I also cannot say much about that, East Asia. But I understand some points about Korean and Asian culture. When I make my dance, I don’t consider much that I’m Asian and Korean. That’s because I become fixated on that point, when I make my dance as a Korean and Asian.
But I am aware that I was born in Korea, I’m Asian, and this background effects my dance. Sometimes when I go to Europe or America and other Asian countries I get interested in and think about how western people think more about oriental things than actual Asian people.
I feel, I received more influence from western countries than from Korean traditional practices. When I was a child, I was wondering about the strength of western and eastern people. I was thinking about the difference. But now on the contrary, I rather think about the similarity. If I speak about it more deeply, I will speak too much…

Murobushi : It doesn’t matter. I would like you to go further. That’s important.

Jung : OK. I’ll try. I’m wondering about “Who I am.” Because I think, I cannot dance without knowing what I am. So I’m questioning about myself.
10 years ago, I was not able to dance, because I felt unstable about where I stand. Afterward when I look back, that moment I was confused by Western culture and what I learned in school, so I stopped. Those who doubt the Western culture and Korean traditional culture search for different things. I thought about what influence I received from Western culture … and my body…. For example, I thought when I danced; Where did this dance come from? This is not my dance… So the dance became difficult for me. This dance may not be mine, but Western…This may be what I learned at school…This may be what I saw somewhere… So, what can be my dance? Then I stopped.

Murobushi : Didn’t you try to dance at the point where you thought you cannot?

Jung : For the moment I had a hard time as I thought that there’s no dance of my own.

Murobushi : What you told me now is a matter of Butoh. I was not the one who said this, but Tatsumi Hijikata, when he started Butoh, used the phrase “standing corpse”– have you heard this? “Standing Dead Body.” That’s the issue or main theme of Butoh. It’s really similar to the situation which you have told me now. In Japan there was a way to move the body which is traditional and Japanese, and also there was a Western influence. Then between the two sides, Japan had a world war. Bad things happened to Korea and China. After everything, the body could not go anywhere.
The Standing Dead Body can’t go in the direction of traditional things nor towards the influence of Western culture. But, after Japan lost in the war, Japan couldn’t stand with it’s own two feet. Tatsumi called it the “Dead Body”. A dead body of course cannot dance. But the person who said that it dances was Hijikata.
Hijikata’s first manifestation about Butoh dance, “Standing Dead Body”, is very similar situation of your problem. Between tradition and Influence from Europe. It’s very interesting. I have a question about in the Korean contemporary dance or contemporary art scene, what is the problem with the traditional… or, I don’t know, maybe with Korean traditional dance. It’s more technical? Japan also…
I don’t know why European influence is strong to Korea or to Japan. I think it’s very very political thing, because I’m not political mover. But I always continue to think about Japan with political thing with cultures. And culture always belongs to politics. And I think if I am political fighter, maybe I want to continue to live in Japan during the 80’s and 90’s. But I said “Bye-Bye”, and I went to Europe. But I continue to think about my political body.

Jung：I agree with that. I’m really aware that Korean culture and especially contemporary art is really from the western influence with capitalism money. I think that is not only in Korea, Japan too, like Globalization. I think artist is like…we are not a political mover, but we are kind of, another kind of political mover because use our body and our culture to fight with politic. So I always think how can I fight and how can I against from my dance to the world, to the government.

Murobushi : You saw Japanese contemporary art and met Japanese artists. How do you see?

Jung : It’s really different than Korean contemporary dance. I’m not really sure, but when I saw contemporary dance in Japan, I think sometime too much improvisation, Sometimes for me, too much emotion and too much passion. So I’m curious if they loose some passion and emotion, because emotion is really difficult to control, I think, so if they don’t have emotion, then how they dance. And then, when they make some design for architect for city, house, and space it is very nice and clear. But relationship of body to space, body to direction, and people to people, “what is the concept of movement?” is normally I didn’t saw see when I saw Japanese contemporary dance. In Korea it is opposite.
I think this problem is from the academic system. Because in Korea, we have many dance universities and so many teachers from out side. So we have very strong technique. With their brain, they don’t know, but with their bodies they know how to make design, and how to go out and come in like design. But I didn’t see much about passion and emotion of inside.
But In Japan, I think, there are many and sometimes I got impressed; how they get kind of essence or heart- hot and great heart. Maybe In Korea, we need that. In Japan, on the other hand, maybe they don’t know how to use their heart for composition on the stage, In Korea, it’s opposite. Concept is too much and too big like conceptual art. They talk a lot and put concept and meaning a lot. But normally they don’t know how to make it concrete, for example how they stand, how they go out and in, how they make broken line… and so on. What is the relationship between dancer and space, or direction, or time.
Maybe in Korea too, this is the problem in both. Too much concept and its Output is not really good and not concrete. Just like fliers, they spread their bodies, this is my opinion.
I have a question. Mr.Murobushi, you went to Europe and what is your new view? Or what did you discover in Europe, also in Japan?

Murobushi : Well…that’s a very hard question… very difficult to say…

Jung : PLEASE!

Murobushi : I think my problem has not really changed in Europe. First position, or starting point of my motivation is similar with yours. Though I didn’t think much about what I am. But I felt I am completely outsider or out of Japan. So it’s very difficult to engage into political movement or cultural movement. Because I don’t like to go into the party of the cultural and political movement. But in dance, during dancing, I feel completely alone and my body completely belongs to me.
But this is a big question to me. Because the body was born from my parents, my Japanese family. I think about historical stories. On the other hand, I don’t care about, I am very strange. The body is always something like a stranger and always going already to future. Our thinking always come back but it’s always too late. So, my reflection is already stupid for me. I think I am Japanese, but it’s already past. When I go to passport control, it’s always strange. “You are Japanese”. Of course it’s rule, but it’s already old and not really present. Because my paper belongs to yesterday, or one second before. My body is already past or front. And I didn’t change this idea. Because I think this contradiction or paradox, I want to meet with European students and people. For this thinking didn’t change.

Jung : I see.

Murobushi : And another problem; if, for example, I said about Butoh history, Tastumi Hijikata started with the point, so called “stranger”. I accept this feeling. But He tried to make his own style from it and it’s a Hijikata’s style. But, I don’t know, it’s Hijikata’s followers, me also a follower generation, they believed in his style and copied what they learned, Hijikata’s style. In this way Butoh became some stereotype. They make Butoh Stereotype. It’s not my way. Because It’s always…

Jung : I really agree, really understand. Because, me too, when I come to Japan, at the emigration, I give the passport, at that time I realize, “Ah, I am Korean…” When I meet a Japanese friend, sometimes they ask me “How is it in Korea?” and I think “Ah, I am Korean…” So normally I don’t care I am a Korean, I am a man, how old I am…but when I met other people, especially from other countries, and they asked me about my identity, then my thinking goes back to who am I and from where?
Since the time I couldn’t move, slowly I accept, “Ah, maybe this movement already includes me, maybe it’s mine. This is from western, but I think it already includes me. It’s impossible to take off. So I accept myself. I think more important to question: how can I use this technique and how can I gather and transform it to my own technique, or to my own topic. So from that time slowly slowly I can move. And now, I am thinking about DNA.
When I go to abroad, they say to me ” you are Asian, so please tell me something about Asia” then I thinking I am Asian, I am Korean, I grew up in the country side, my family, my family’s blood, my father…like this. Maybe some DNA runs through. I took DNA from my father, so it’s like history, Korea and the foods, the environment… how they impact me nationally, and then education from out side, how it impacts me. So I really understand. When I try to see to the future, that time also I need to see to go back. I am from where, and I go to where. and especially the contemporary artist’s spirit is “now and here”, so why is the history of technology different from that of art? Many critics or many people think that contemporary dance is better than modern dance, modern dance is better than dance of romanticism, romanticism is better than classical and so on. I think, especially critique and journalism think so.
But I don’t think so. Since before 10 years ago, also there, contemporary spirits were present, I think. And for the future too, for example 1000 years later, really traditional spirits go there. But science and technology are different. Technique of the 20th century is better than that of 19th century, 19th is better than 18th… I think many people confuse that Today’s ART is better than old one yesterday`s. But I don`t know. This is my, another question : how I make more…

Muroboshi : What did he just say? Today’s art is more…?

Interviewer : The thought that present art is more advanced than past art.

Muroboshi : And that is Jung’s doubt?

Interviewer : What is Jung’s doubt?

Muroboshi : What do you think, contemporary art now is better than before?

Jung : No, I don’t think so. Something is better, but not all. I still enjoy modern dance and music. I still enjoy classical and traditional music. I think it depends on taste and quality.

Murobushi：Yeah, Yeah, Yeah,

Jung : Not that contemporary dance is better than modern dance. But technology and science are different.

Murobushi：Technology is always progress?

Jung : Yes, New Technology is better than old, but how is Art?

Murobushi ： That is the modernism, isn’t that?

Jung ： Art is all equal. Contemporary Art and traditional art is equal.

Murobushi：It’s difficult…it’s another subject, isn’t it? Because art always belongs to age or time. What is time and age? it’s always our language, also it’s the culture, but now I agree about that, because of globalization, I always can stay in many different places. We can travel, we can talk with different languages together with same situation…

Interviewer : Could we have some message to dancers and people who like dancing?

Murobushi：I want to talk about what is art, what is modern art, what is post modern art…well what can I say…What is globalization? What is capitalism? Communism is down, I don’t want to belong to some systems, and also ideology. But what is the artistic vision or fight. And I want to talk about this was. It’s a Japanese man said “It’s a very similar with the feeling of being stranger” and This was absolutely foreigner. These are famous words.
Always I cannot belong to Japan. When I come to Europe, I am not European of course. When I start to talk with You in English, it’s very strange for me, but when I come back Japan and when I start to talk in Japanese, also is my Japanese conversation is already something out of Japanese contemporary mood.
And this is very basic life for me. When I start to dance in several different places, or theatres. “What is theatre” is my problem. Theatre is not my real professional house, home. It isn’t home for me. In this case, I always I felt this is not my place and I want to talk this feeling with my audience. And for me, it’s something like a political fight with my body and language, and there is no ending.
I think the end of my life, I think I am fighter, or…..that is the message to the Japanese contemporary young students or dancers. Please fight with Japan. And now the Japanese young generation or all people in Japan want to go to northeast district of Japan because of this big earthquake, catastrophe. They are becoming to one thought and they must help something. Of course it’s good thing. But it’s not only that, I think. And I have another feeling. Please let it. Japan is going down and going out, I can look. Bye bye Japan. Sorry. I’m very sorry.

Jung : I say to something similar …always I’m thinking how can I escape ideology or ism or my blood is my topic…how can I escape my country and my nationality. But at the same time, I’m looking for who I am. Artist is not fighter, real political fighter, capitalism fighter. But we need to fight until the end, forever. But I think there is no answer, no solution, but only question until the end. So please, dancer, please keep going until the end and please look what is similar to another person, to another words. What is the similarity between me and another dancer, or another teacher. Also what is different between me and another person.
This question is for understanding and for communication between each other. Why are we different? This question is for communication with each other not to make a big distance, from this question. So there are two different questions; what is similar and what is different? Those questions are for communication and not for making distance. Please think about it.

Murobushi : It’s a big message. What is the most important thing for the communication? How to communicate? How to mix this difference and…OK, that’s all for today.

古後奈緒子（こご・なおこ）

撮影：庵雅美

今年は初の試みをいくつも重ねて、本当に余裕なくここまで来てしまいました。自発的にこまごまと気を利かせて動いてくれた皆様、寛大な目で見守ってくれた事務局の皆様、本当にありがとうございました。
ぺこり。

F　チョン・ヨンドゥ
コンテンポラリー・ダンスって何?どんなことするの?そんな疑問に応える、毎年大好評の通称「サラダ・ボール・プログラム」。ダンスに興味ある方へのイントロダクション・クラスです。世界で活躍する講師による様々なスタイル、考え方のダンスに触れることができます。

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JUNG YOUNG-DOO　チョン・ヨンドゥ　（韓国/ソウル）
西洋的で高度なダンスメソッドと明確なコンセプトを併せ持つと同時に、東洋的に抑制された繊細な動きが彼の才能を裏付けている。Doo Dance Theater主宰。韓国新進気鋭の振付家である。韓国を拠点に世界各地で活躍する。’04年にはリトル・アジア・ネットワークでアジア各地を巡回。韓国でも多くの賞に輝く他、「横浜ダンスコレクション・ソロ＆デュオコンペティション」にて、「横浜文化財団大賞」ならびに「駐日フランス大使館特別賞」を受賞、フランス国立トゥルーズ振付センターにて研修する。「踊りにいくぜ！」（’08年）『Hiroshima-Happchon』（’10年　松田正隆構成・演出）など来日多数。

ある春の日の東京。

カーラジオはフィル・コリンズの引退を伝え、ネットで新調したランニングウェアが届くこの日、ぼくは「恋はあせらず」をスピーカーから流れる音楽に合わせ口ずさんでいました。

3月11日の、東京の朝。

今年で16回目の開催を迎えた京都国際ダンスワークショップフェスティバル。ぼくにとっては2年ぶり2度目の「京都の暑い夏」体験となりました。びわ湖ホールでのコンタクトインプロヴィゼーションワークショップを皮切りに、フェスティバル本期間のクルト・コーゲルさん、室伏鴻さんのワークショップ全日程に参加させていただきました。
今回はワークショップ受講が主な目的だったのですが、もうひとつ、別のテーマがぼくにはありました。
絵画、彫刻、インスタレーション、写真や映像、音楽、文章など。古くからあるものや先進的なメディアまで、現代においては様々ものが表現媒体としてあるなかで、なぜ「ダンス」という「身体」を用いた表現をわれわれは試みるのか、なぜわれわれはダンスという身体行為を鑑賞しようとするのか。この、身体を「見ること / 見られること」の意味するものを探ることがもうひとつの、そして重要なテーマでもありました。ぼく自身人前でパフォーマンスをする機会を頂いたり、現在パフォーマンスイベントの企画に携わっていて、あらためて身体を提示する意義、表現として身体を見ることの真意について考えていました。
そうした中で、ある出来事とその影響がひとつの示唆を与えてくれたのでした。その出来事とは東日本大震災だったのです。

3月11日の午後、激しく長い揺れ。強風に煽られる木々のようにビル群は揺れ続け、鉄道がストップし、帰宅困難者が街道を埋め尽くしていました。
ぼくは幸い徒歩通勤だったので障害なく家路に就き、途中運送会社の集配所に寄って新調したランニングウェアを持ち帰り、そのまま皇居まで走りに行こうかなんてのんきに考えていました。ツイッターでは地震の直後から津波への警戒を呼びかけるツイートが多く見られ、鉄道各社の運行状況や帰宅困難者のための宿泊施設のアナウンスメントがタイムライン上を流れていました。
たしかに未体験の長く激しい揺れではあったけど、移動インフラの他はさしたる実被害も見られなかったので、やっぱりぼくは皇居へ行こうとしていたのです。
帰宅してテレビをつけてその思いは完全にくつがえされました。津波到来のショッキングな映像。東北地方日本海沿岸部は甚大な被害に見舞われていることを映像を見ることで知ったのでした。
それからの数日はテレビに張り付いて、福島の原発事故や日を追って明らかになる震災被害に暗澹たる思いを募らせる一方でした。スーパーやコンビニの物資も欠乏し、ガソリンスタンドには車の長蛇の列が並び、度重なる強度の余震もあって、不安が生活の上にのしかかった状態で日々を過ごしていました。
地震速報や事態の推移を見守るために、帰宅後は常にテレビをつけっぱなしにしていたのですが、深刻な状況に気は滅入る一方で、でもそんなとき、ふと外に出掛けて、談笑しながら歩く人々を目にすると、なぜかほっと心が和むのが感じられました。テレビでは悲惨な映像が流れ、深刻な顔のアナウンサーが被害報告をのべつ伝えているなかで、街行く人のあまりに日常的な姿が、凝り固まって縮こまった心をほぐしてくれるような気がしたのです。

D-3（コンタクト・インプロヴィゼーション）クラス　撮影：庵雅美

3月の下旬に、江東区の森下スタジオでコンタクトインプロヴィゼーションのチャリティージャムが開催されました。東京でコンタクトインプロヴィゼーションのワークショップやフェスティバルを主催しているC.I.coさんの企画で、当初は海外から講師を招いて２日間のWSとその翌日に公演を行うものでしたが、震災の影響で講師の来日は叶わず、ワークショップ自体も開催が危ぶまれたなかでのイベントに、ぼくはワークショップ、ジャムともに参加。それはメディアが伝える情報に鬱屈した心と体を、ほんのひとときでもときほぐすことができればという思いからでした。そこでの身体を介した他者との交流は、知己の無事を実際に確認し合うということ、非常時という特殊な状況下からの解放をもたらしてくれるものだったのです。
特に印象的だったのは最終日の「サイレントジャム」という形式で、今回の企画で来日予定だった韓国のダンサーのひとたちと東京・韓国で同時刻に行う、一切の発語を禁じたジャム。震災で亡くなられた方への哀悼と被災地復興への思いを込め、言語を用いず身体での祈りを捧げたものでした。その言葉に頼らない身体のあるがままの姿、相互の接触、その穏やかで静謐な空間がもたらす作用は、自らが踊るとき以上に、「見る」側にまわったときによりいっそう、充足感や、喪われたり忘れていたなにかが補完されるような感覚を与えてくれたのです。

こうした体験を経て、「見ること / 見られること」の意味を確かめるにあたり、ぼくがその拠り所としたのはフランスの精神分析家ジャック・ラカンが提唱した「鏡像段階」と呼ばれる理論です。それは幼児がまだ自己の統一的身体像を把握できていないときに、鏡に映る自分の姿や、母親など身近な他者の身体を「鏡像」として見ることによって、寸断されていた自己の身体の統一像を獲得し、自我やアイデンティティを形成していく段階のことです。
鏡像段階論は主に幼児の発達期におけるものですが、こうした他者を映し鏡として自己を確立することは年齢を問わない普遍的な行いであると思うのです。この「鏡像」関係にある自己と他者、「見ること / 見られること」の意味を確かめるために、ぼくは京都の暑い夏のビギナークラスワークショップを見学することにしました。そして、そのことをもっとも明示してくれたのがチョン・ヨンドゥ氏によるものだったのです。

A-2（ダンスメソッド）クラスのヨンドウ氏　撮影：庵雅美

チョンさんのワークショップで特徴的だったことは、言葉を一切使用しなかったこと。彼はまず自らがデモンストレーションを行い、それを見た受講者が見よう見まねで同じ動きを何度もなぞるものでした。特に意識を置いていたのが呼吸。吸う・吐く、その息づかいを身体の動きと連動させ、床に寝た態勢や座った状態からの動きによるフロアワーク、そして立ち上がった姿勢から同じく呼吸やリズムを意識したステップワークで会場の端から端までを横列になった参加者が移動してゆくものでした。ときおりチョンさんはリズムの滞った参加者を手で押して転がしたり、体の動かし方を手取り足取り誘導し、呼吸やリズムを意識させることを体で示して指導していました。
床に這う状態のフロアワークから徐々に体が起き上がり、立位でのリズミカルでスピーディーなステップワークへという導きは、チョンさんがダンスにおいて重要視する重力と身体との関係、そして呼吸とリズムの強さ・速さを、その段階の推移によって参加者に体感させる非常に明快な構成に思われました。

そして最後のワーク。それまでのフロアを滑るような軽快なステップワークから一転、直立し静止した状態から穏やかな呼吸に合わせ、指先をそろえた手を前・横・斜め後ろへとかざし、前方へ歩みを進め、また静止して手をかざす。この一連の動きで会場の端から端までを移動するというもので、ダンス経験の有無や技量の巧拙を問わない、それぞれのあるがままの身体の美しさを引き立たせる静謐なワークでした。全員がひととおり終えると、チョンさんはおもむろに一人の若い女性の手を取り、今度は単独で同じワークをするように指示しました。そして他の参加者を会場の向かい側に着座させ、その動きを見るようにしぐさで伝えたのです。
静まり返った会場の中で、彼女はさきほどの動きを穏やかに丁寧になぞるように繰り返して進んで行きます。そこには緊張感は皆無で、温かな空気が会場の空間を満たしているような、とても美しいシーンを目にすることができました。やがて彼女がみんなのところまで辿り着き動きを終えると、次にチョンさんは少女の手を引き、同じくそのワークをひとりで行うように促しました。やや固い面持ちでスタート位置に就いた女の子は、呼吸とともに動き始めると緊張の色は消え、あどけなさの残る身体と表情で、見守られている視線のほうへと進んで行きました。それが終わると、チョンさんは「他にやりたい人はいませんか？」と身振りで問いかけ、誰も応じないのを見て取ると、今度は壮年男性を選んでワークを行ってもらいました。ひとり目の若い女性は身のこなしや落ち着きようからおそらくダンサーなのでしょう。ふたり目の少女はクラシックバレエを習っていて、３人目の男性はダンス経験のまったくない社会人の方でした。先述したように、このワークは経験や技術を問わないそのあるがままの身体の美しさを引き出すものであり、そのことをこの男性から最も顕著に感じたのでした。気負いも緊張も見られない素直な身体に微笑をたたえながら、男性は見ているひとたちの温かな眼差し受け止めて進んで行き、このワークショップは終わりを迎えました。

ディシプリンを経た女性ダンサーの美しさ、少女の瑞々しさあどけなさ、壮年男性の柔和な落ち着き。ワークショップの最後にチョンさんがセレクトしたそれぞれの人物、その身体、そうしたシークエンスの転調。そしてそれを多くの参加者に「見る」ように求めたこのワークによるエピローグは、チョンさんによる「マジック」を見せてもらったような気がしました。見学していたぼくは、会場の温かな一体感、その雰囲気に徐々に込み上げるものがあり、男性のワークを見ていたところで涙がこぼれてしまいました。なぜなら、なにより美しかったのは、ワークを行っていた３人それぞれの身体、その佇まいや表情が美しかったのはもちろんのこと、それを見守っていた他の参加者の表情や雰囲気が温かさや慈愛に満ちたものに思われたからです。
こうした素晴らしい瞬間を生み出した「マジック」の秘密とは、まず言語を用いなかったこと。このことによって受講者は「見る」ことを言葉による指導のとき以上に求められます。動きの指示が「言葉」によって与えられる場合、受講者は往々にして自分の内部にこもって言葉と身体の整合性を追いかけることに集中してしまい、外部へ開かれるべき視界が遮断されがちです。このワークショップでは、お手本であるチョンさんの動きを見る、他の参加者の動きを見る。こうして他者の身体・動きを自らのものとします。ワークショップ受講者は他者を「鏡像」として、自分が知覚できていない身体への意識、その連関を相互に照らし合い補完しあいます。おそらく参加者たちは各ワークにおいて、自分の身体、その内部に意識を向けること以上に他者の身体へフォーカスを当てることに重きを置いていたのではないでしょうか。
そして最後のワーク。年齢や性別、来歴などの違う、それぞれの対象者を「見る」ことによって、見ているひとたちの心身への影響の変化が明らかになったはずです。そして見ていたひとたちも、ただ見ていただけではないと思うのです。呼吸と連動したそのワークを思い起こし、単独でワークを行っている対象者の呼吸や動きに合わせて、見ていたかれらも同じように呼吸し、一緒に踊っていたと言えるのではないでしょうか。このことは「見られる」側であるワークを行っていたひとたちにとっても大きな影響を与えていたと思います。かれらが緊張にさらされなかったのは、見ていたひとたちが「観客」や「傍観者」ではなく、同じ動きを共に実践していたこと。お互いを照らし合うことによってその動きを共に構築していった相補関係にある仲間だったこと。そして仲間たちが見ていながらにして一緒に踊ってくれていた状態にあったこと。「見る」側「見られる」側が相互に「鏡像」関係として同じ空間を形成していたことが大きく作用して、あの感動的なシーンが生まれたのだと思います。

A-1（ダンス・メソッド）クラス　撮影：庵雅美

震災によって、メディアで伝えられる情報によって、ぼくの心はいつしか不安定なものになっていました。でもそんなときに、道行くひとたちの日常的な佇まいに心安らぎ、東京でのサイレントジャムの光景に癒しや安堵を感じたのは、こうした他者を「鏡像」とした心身の平衡を取り戻す作用だったのではないでしょうか。
実際に震災に直面した東日本のひとだけでなく、メディアで情報を共有していた他の地域のひとたちも、なにかしら心の傷やトラウマといったものを抱えていたことと思います。びわ湖ホールでの先行ワークショップ後の打ち上げでフェスティバル主催事務局代表の森裕子さんは、震災によって来日キャンセルになった講師のことや、こうした時期の開催で参加者が集まるのかということを危惧されていました。しかし終わってみれば過去最多の参加者数でした。これまでの15年の積み重ね、そのことによる裾野の拡大があったのはもちろんのことですが、誰もが今回の震災によってなにかしら不安や問題意識を抱えていて、そのことの解消や解決の糸口を見出そう、こうしたときだからこそ、心を宿した生身の身体という存在であるわれわれが同じ空間を共有し、自己の心身環境と他者や社会という外部環境との関係性を改めて見つめ直す契機を求めて、多くのひとびとが集ったのではないでしょうか。こうしたことのひとつの答えを、ぼくはチョン・ヨンドゥ氏のビギナークラスワークショップに見出せたように思います。チョンさんはアフタートークの中で、今回のワークショップで言葉を使用しなかったのは主催事務局の坂本公成・森裕子両氏との相談によって決めたと語っていました。他のビギナークラスではそれぞれ違うアプローチで身体やダンスを探求し、そうしたなかでチョンさんのクラスにおいては言語を用いないという際立った手法が選択されました。それは「身体」がそこにあることをより明確にクローズアップするためだったのではないかと推測します。
フェスティバルの最後に、坂本公成さんは被災地支援団体への募金の呼びかけとともに、震災後におけるフェスティバル開催の諸々の不安や懸念を吐露され、講師陣・参加者への感謝を述べると、言葉に詰まり涙されていました。その光景はただ主催者の気苦労を垣間見たということだけではなく、3.11を経たわれわれみんなに共通する、痛みを受けた心とその再生への思いを共有する瞬間だったと思います。そして後を受けた森裕子さんが言われたように「ダンスの力」を再確認し、今回の貴重な体験を通過したわれわれがこれからさまざまな形で自己と他者、そして社会環境へと関わって行く意義を確かめられたのだと思います。

身体を持つわたしとあなた。お互いを映し鏡として照らし合い、みんなでつくりだすこの世界。
フェスティバルの主催・運営に尽力された方々、講師の方々、そして「鏡像」としてわたしをかたちづくってくれた多くの参加者のみなさんに感謝を。

山下健一（やました・けんいち）
金沢出身東京在住。社会人建築学生で、気がつけば身体に辿り着く。たまに踊ります。現在PLGINRT PROJECT(http://www.plginrt-project.com/)にて来年のパフォーマンスイベント開催に向け日々精進。京都は第二のふるさと。　

C-2　エリック・ラムルー
身体が衝動的に、直感的に反応していく瞬間、エネルギーが混じり合い、交換され、豊かになるいくつもの分岐点を経験します。他者と次々に交差するなかで、その状態、関係性、変化を身体でとらえつつ、個人固有の身体が次の歩みへと向かい、ダンスが生まれていく衝動や過程を探っていきます。

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ERIC LAMOUREUX　エリック・ラムルー　（フランス/カーン）

カーン国立振付センター芸術監督。カンパニー・ファトゥミラムルーをエラ・ファトゥミと共同主宰する。優れた身体能力に裏付けられた大胆なムーブメントと、高い音楽性に支えられたロマンティシズム、そして実験精神に基づいたオリジナリティーの高い振付/美術で、’90年バニョレ振付家コンクールに『ユザイス』でデビューするや、アヴィニヨン演劇祭、リヨンビエンナーレなど一躍注目を浴び、国際的に活躍している。’99年フランス政府派遣アーティストとして関西日仏交流会館に滞在。『芸術祭典・京』（’99）『コーチング・プロジェクト』（’04/京都芸術センター）に作品提供するなど日本にも縁が深い。今秋には日、仏、コンゴ３カ国共同製作作品『just to dance…』を東京にて上演予定。カーン国立振付センター　

今年で4回目の受講。
18:30から始まり、だいたい21:30に終わる、3時間弱の長丁場、ハードで、相当なお賑わいクラス。朝から来てる人は、すっかりお疲れ状態。動け身体!!!!
「今年が一番しんどかった。」なんて、毎年言っているかもしれない。しんどかったことなんて、1年経てば忘れますよ。まあ、今年もハードだった。
最初の3日間は、制作室7で行われた。20人あまり人間がいるから、スペースが足りない。ほとんどは、エリック流ワークをやり、クリエイションのための、部品のようなものも少しやった。静かに始まるいつもの時間。徐々に、身体が伸びていき、暖まっていくテンション、空気。エリックの提示とともに、身体のエンジンがかかっていく。昨年も同じようなことを書いたので、こちら（参照リンク）を。
私は、エリックのウォーミングアップが大好きだ。脱力と伸縮、捻転。ある点で、爆発を起こし、意思と身体を置いてきぼりにする。けど、静かに、エネルギーがどこから来てるのか、自分の身体がどこへ向かうのか、見据えとかなきゃいけない。自分の感覚を開いて、身体に集中して、周りの出来事にも集中する。

撮影：庵雅美

エリックは、声がでかいし、たくさん喚く。　撮影：庵雅美
「でーっかくっ」
「押せーーーっ」
「力むなーーっ」
「呼吸やーーっ」
「伸びろーーっ」
「腰やーーーっ」

体のどこかが、不要に力が入っていたら、
「（腕、頭、足）を切ってまうどーーっ」
と、喚くし、人のお尻をよく叩くし、子どものように甲高く笑う。いつからか、エリックの言葉が、関西弁に聞こえている。しゃべり方の、勢いというか、ノリが関西弁っぽいと思う。いつもそうなんだけど、喚きすぎるので、初めての受講者とか、女の子は、びっくり、びくびくしていた。ある日、あまりにも喚くので、通訳担当の森さんにたしなめられ、その後は、静かにやっていた。聞くことは聞くんだなと見ていると、そっと近づいてきて、「どや、静かにもでけるやろー」と言ってくる。本当に、面白い人だと思う。かわいいおじさんだ。

撮影：庵雅美

クリエイション・ショーイングについて
今年は2つテーマがあり、「腰」と「強靭な黒シート」でした。
ショーイングは、3つのシーンで構成されている。
　　横一列でずらっと並んでいる。
　　その中から、数人ずつ出てきて踊る。
　　全員で、踊る。
　　各受講者が創った振りを、ばてばてになるまで、代わる代わる踊る。
　　一人残る。

非常に静かな時間。
エリックの振り付けと、各受講者が振り付けを構成し直したもので、構成されている。振り付けは、両足を広げて立ち、少し重心を低くして、腰を緩めている状態を基本姿勢としている。
そこから、反復横跳びのように移動するもの、腰から動き出すものとで、構成されている。

大騒ぎ。
謎の強靭な黒シートで、引っ張り合ったり、がしゃがしゃ鳴らしたり、ばさばさしたり、テンションをかけて均衡をつくったり、壊したりして、さんざん遊んだ後に、「ほな、いろいろやってみた感覚を元にして、各自で振りを創ろう。」
と、受講者で振り付けを創ったもので構成されている。もちろん、エリックのアドバイスを受けながら、わーわー言われながら、言いながらみんな必死に創った。
ショーイングのために、構成もやらねばならないし、振りも創らなきゃいけない。さながら、本気のリハーサルで、緊張感はあるし、何度も通しをするしで、本当にハードだった。

受講者の女性が一人で、舞台上で立っている。脆弱で、淡い存在。と、エリックお気に入りの音楽。

今年も、ショーイング後にいそいそと片付けに回ったので、見た方の感想をあまり聞けなかった。どうだったんだろう。機会があったらお聞かせいただきたい。
来年も、おっちゃんは来るようなので、楽しみに1年待っていよう。

（参加日：全通し）

辻本佳（つじもと・けい）
三重大学在学中にダンスを始める。「京都の暑い夏」主催オーディションに合格し、’08京都×アンジェ交換研修生制度に参加、’09カーン国立振付センター Company Fattoumi Lamoureux 振付作品『Just to Dance』にて、フランス国内ツアーに出演し、9月には日本での上演を予定している。昨年より、京都に居住を移し、ひっそりと活動中。

F
コンテンポラリー・ダンスって何?どんなことするの?そんな疑問に応える、毎年大好評の通称「サラダ・ボール・プログラム」。ダンスに興味ある方へのイントロダクション・クラスです。世界で活躍する講師による様々なスタイル、考え方のダンスに触れることができます。

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講師：4/29（金・祝）森裕子、4/30（土）マタン・エシュカー（イスラエル）、5/1（日）室伏鴻（東京）、5/2（月）エリック・ラムルー（フランス）、5/3（火祝）チョン・ヨンドゥ（韓国）、5/4（水祝）森井淳（大阪）、5/5（木祝）クルト・コーゲル（ドイツ）、5/6（金）クルト・コーゲル（ドイツ）、5/7（土）アリーヌ・ランドゥロー

はじめに…なぜ参加しようと思ったのか。そのころの私は、悩んでいました。自己欺瞞。なんだか、自分のことがよくわからなくなっていた。好きなものや、嫌いなもの、したいことや、したくないこと、そんなことを素直に表現できなくなっていた。こうでなきゃならないっていうさまざまな固定観念に縛られていた。このワークショップに参加することで、新しい自分に出会い、自分の心を縛りつける自分の意識から自由になれる気がした。

:::::1日目：森裕子さん:::::

まず、全員で円になり、お互いの身体をほぐしながら、自己紹介。
初めは、身体の様々な部分を意識することで、感覚、動きの変化を感じていく。たとえば、「呼吸」を意識し動いてみる。身体と息のリズムが同調する。「骨」で動いてみる。「風」になってみる。自分の目をカメラにして、人や空間を見る。広さ、質感、温度、様々な感覚が変化する。
森さんは、身体のそういった変化を楽しんで欲しいという。そこから生み出されるものがあると。
しかし、私にはよくわからなかった。こうやって感じたものがどうやって表現に結びつくのか。なんだか、早く結果を知りたくて焦っている…。周りがみんなうまく見える…。

参考動画(アフタートーク)

撮影：庵雅美

:::::2日目：マタン・エシュカーさん:::::

軽いストレッチから始まる。「呼吸を意識してください」と、マタンさん。そしてポーズをとっていくのだが、その際も、常に呼吸を意識することをアドバイスされる。いくつかの連なるポーズをとっていく時も、呼吸。その動きを何回も繰り返す。だんだんと連なる動きと呼吸のリズムが、考えずに自然にできるようになっていく。身体が暖かくなって、しっとりと汗ばんでくる。ポーズの形は意識しなくていいから、呼吸が浅くならないように注意をし、痛くならないところまででいいから動いてください、とマタンさん。その言葉で、力んでいた気持ちがすっと楽になった。そうしたら自分の身体の中にある、自然なリズムを感じられるようになった。
ワークが終わってみると、頭がすっきりして、なんだか体の調子がいい。ヨガって気持ちいい！

参考動画(アフタートーク)

撮影：庵雅美

:::::３日目：室伏鴻さん:::::

身体の「センター」を意識するよう言われる。そうして、身体の各部分(手首・腕・肩など)を脱力していく。そうして最後は座り込む。そして、逆に今度は、身体の下から力を入れていく。最後に立ち上がる。なんだか身体全体で息をするようなそんな動きになっていく。会場の空気も動いてるようだ。室伏さんも「呼吸を意識して」と、おっしゃる。そして、ユニークなキーワードを提示しながら、身体が様々なパーツで出来上がっていることを、私たちに意識させる。室伏さんは、「削ぎ落とす」。観せようとすることをやめる。そうして、最後に残った“消えないもの”を表現したいのだとおっしゃる。削ぎ落とす作業は、少し怖かった。残らず、消えないものが自分にもあるのだろうか、と。アイデンティティを問われている気分になる。

参考動画(アフタートーク)

撮影：庵雅美

:::::４日目：エリック・ラムルーさん:::::

みんなで円になる。簡単なステップをみんなで踏む。その場で、回ってみたり。だんだん速く！
ステップを少し増やし、みんなで同時に小さく、大きく、飛び跳ねながら動く。リズミカルな音楽が流れる。「パッション！」とエリックさん。自ら、円の中心に立ちパッションあふれるステップを私たちに見せる。それを周りの人に届けて、届けられたら前に出る。交代交代に入れ替わりながら進む。パッションあふれる動きに息が上がる。パッションって何だろう…。
次に、ナイロン袋を手で軽く動かしながら動く。ゆっくりと、空間に絵を描くような動き。歩いたりしゃがんだり。袋を上に跳ねさせ、人と交換したり。でも、音を立ててはいけない。動きが、繊細になる。素材があることから、動きが生まれた。
そういえば、私たちはいつも何かに触れている。ダンスって、身体だけだから不安になるのか？何かを持っていれば安心するのだろうか？

参考動画(アフタートーク)

キッズクラスでのエリック・ラムルー　撮影：庵雅美　

:::::５日目：チョン・ヨンドゥさん:::::

チョンさんは、ワークの間、しゃべらなかった。一言もしゃべらず、呼吸の音と、軽いジェスチャーだけで、私たちに動きを見せ、真似させる。言葉のコミュニケーションがない分、見て、感じるしかない。集中力が増す。
チョンさんの動きの特徴は「流れる」ような動き。風のような。川のような。みんなで会場の端から端まで転がる。うずくまったような格好で。次に、手と足を少し伸ばしながら、流れるように、すべるように転がる。しかし、肩やおしりが床にあたり思うようには進めない。実際にやってみると、いかに難しい動きかがわかる。勢いではできない。テクニックがいる。動くテクニック。
最後は、立って会場の端から端まで、手をゆっくりといろんな方向に出しながら、一歩ずつ前に進む。一転して静かな時間となる。気がつくとせせらぎのような音楽が流れている。自分が木になり、新芽が芽吹くような気分だ。手が、芽が伸びていく。
チョンさんのワークは言葉では伝え辛いが、人間界じゃない世界にいるような気分になるし、見ていてもそう感じる。

参考動画(アフタートーク)

撮影：庵雅美

:::::６日目：森井淳さん:::::

身体の重心、センターを意識する動き。オンバランス、オフバランス。重心がしっかりしてバランスがとれている“オンバランス”と、重心が傾いている間の“オフバランス”。軽いステップや、振りをつけながら、その重心の違いを意識する。重心が崩れる時、移動する。自分で自分を次の場所に運んでいるような感覚。
みんなで円になって動いてみる。でも、始まりの合図はない。周りの空気、前の人や横の人が動くタイミングを感じることで、みんなで動きをひとつにしていく。アフタートークで誰かが言った。「振りを合わすのではなく、息を、空気を合わすことが大事なんだと思った」と。私も同感だった。

参考動画(アフタートーク)

撮影：宇佐美偉丈

:::::７日目：クルト・コーゲルさん:::::

クルトさんのワークは2日間あった。しかし、1日目、どんなワークをしたか、何故か思い出せない。覚えているのは、そのとき自分が思ったこと。私は思った。「外からこのワークを見てみたい。」

:::::8日目：クルト・コーゲルさん:::::

今日は見学することにした。クルトさんのワークを外から見たかった。クルトさんは、まるで私たちを使って、何か、塊（かたまり）を作っているようなワークをする。
みんなで会場を動くが、決してぶつからないように。ビクビクするのではなく、意識する。人と自分の距離感、バランス、空間を意識し、創る形を意識する。
自分は、何かの大事な一部なのだと強く感じた。個があり、そして集まれば一人では作れないような素晴らしい彫刻のようなモニュメントができあがる。まるで社会の縮図のようだ。

参考動画(アフタートーク)

撮影：宇佐美偉丈

:::::9日目：アリーヌ・ランドゥロー:::::

とても、静かなワークだった。視覚をOFFにする。目をつぶって、ガイドに案内されながら、いろんなところに行って、いろんなものを触る。カーテン？ペットボトル？ワークが進むにつれて、どんどん感覚が研ぎ澄まされていく。目でみながら触っているときとは、まったく、感じ方が違う。
次に、円になり、目を瞑りながら、中心に向かい歩く。そして、全員が止まったと感じたところで、ゆっくりと、床に倒れる。足音、衣擦れの音などを頼りに、空間が止まるのを感じ、皮膚の触れる圧力などを頼りに、ゆっくりと床に倒れる。面白かったのは、何回か繰り返すごとに綺麗な円になっていく。そして、綺麗なつむじができる。視覚がないからこそ、できる。目を開いていながらも、視覚をOFFにしながら、やってみたら面白いかも。

参考動画(アフタートーク)

撮影：庵雅美

ワークショップを終えて

ワークショップを受けていく中で、いくつもの発見があった。「あぁ、自分はこう思うんだ。」「これ苦手…。」「わ。素敵だな。」って感動が、新しい人や事に出会ってたくさん生まれた。自分が感じていることに素直になることを忘れちゃいけないなって思った。意図的に考えるのではなく、自然と自分の中に生まれるものを、自分できちんと理解することで、どんどん自分のことがわかってくる。それが、凄く面白かったし、嬉しかった。
感じることは自由、表現することも自由、コンテンポラリーダンスには、こうしなければいけないことは何もなかった。ただ、自分の感じたものを表現し、伝える、それだけ。しかし、それが難しい。なぜか？どう表現したらいいかわからないもの。しかし、自分の中に生まれた感動や感覚を表現するために、さまざまな手法を学び、新たな世界観に触れる。そんな素晴らしい機会がこのワークショップなのだと思う。

（参加日：全通し）

前芝和子（まえしば・かずこ）
高校、大学と演劇活動に取り組む。人は、なぜ表現するのか、表現し続けるのはなぜか。そんな表現者たちの、内に秘めたものを感じたい。そんな思いで、ワークショップに参加を決めた。
ダンスの経験はない。

撮影：宇佐美偉丈　

【DVDコーナー／石原弘恵さん】亀田
静岡ダンススペースで企画をされているという石原さんは、ランチ休憩でDVDコーナーに来ていらっしゃいました。声をおかけすると「さっき、ヨガのワークショップを受けて来たんですよ。」とおっしゃったので、感想を伺いました。「ヨガは普段から自分なりにやっているのですが、今日は“内から”教えてもらった気がしました。ダンスは力が入り過ぎていることが多いのですが、余分な緊張があるとしなやかに動けないですよね。」石原さんはマタンさんのクラスに通しで参加されるとのことでした。「わらしべ長者的インタビュー」はこうしてスタートしました。

【ボディサロン／長留ひろみさん】亀田
古典東洋医学という視点から、鍼灸治療をされている長留さんは、数年前から『暑い夏』でボディサロンを開いています。興味本位もあって、長留さんに診ていただくことにしました。長留さんは生活習慣などを細やかに問診すると、脈診（手首から脈を診る？）をして患者の状態を探ります。私の場合は、文章を書くなど内に籠る作業が多いためか体内循環が滞っているようでした。「内に籠ったら、外に解放することも大切ですよ。」とアドバイスを頂きました（このアドバイスへのレスポンスと感じられるヒントは、マタンさんのワークショップ見学とアフタートークでバッチリ頂いた気がします。もしよろしかったら、マタンさんのレポートもあわせてご一読下さいね）。

【芸術センターフリースペース／ナカシマケイスケさん】亀田
スポーツ（野球やラグビー）を続けて来たというナカシマさん。これまでハードに身体を使ってきたそうですが、故障を経験して「身体のために」とマタンさんのヨガクラスを受講。「細かく身体をみていく」ヨガを体験して、歩き方など変えていきたいと感じたそうです。「ダンサーってかっこいいし、キレイ。自分もコンディションが良くなれば踊ってみたいですね。」と話してくれました。ダンス公演なども時々ご覧になるそうですが、フラダンスのように「スローなもの」がいいそうです。スローに惹かれる価値観、こんなに若い方の中にもあるんですね･･･。

撮影：宇佐美偉丈

【芸術センターフリースペース／玉谷ゆかりさん】亀田
名古屋でダンス活動をされている玉谷さんは、マタンさんのクラスの他にもクルト・コーゲルさんとエリック・ラムルーさんのクラスも受講されているとのこと。「単発ではなく、通しで受講することで進歩していける感覚がある。」と話して下さいました。また、こうしていろいろな講師のワークを受けることで、講師それぞれのこだわりを見つけられるそうです。クルトさんのワークは「シンプル・スローでＯＫ」ということを感じるそうですが「スローは退屈にならないですか？」と質問してみました。玉谷さんは「ゆっくりの方が自分の変化に気づけますし、手ごたえもありますよ。」とニッコリ。変化はスローな中で気づくもの･･･これはちょっと発見かも！？

【芸術センターフリースペース／ナガイさん】亀田
マタンさんのワークを終えて、次のワークを見学するというナガイさんは大学で演劇をされている女性。演劇をされる方がなぜダンスのワークショップに参加したのかを質問してみました。「演劇をしていますが、舞台上できちんと立っている人とそうではない人がいることに気付いたんです。きちんと立っていると感じる人はとても魅力的。そういう人たちに聞いてみると、ダンスをしていたりします。」ナガイさんはダンスにヒントがあるように感じて、このフェスに参加されたそうです。「ダンスも演劇も同じだと思うのですが“出そう・表現しよう”とする人には魅力を感じない。逆に“周囲を大切にしたり、周りから受け止めよう”としている人の方が魅力的だと感じるんです。」そう語るナガイさん。照れくさそうにされていましたが、芯のしっかりした方だと感じました。とっても魅力的！

撮影：宇佐美偉丈

【芸術センターフリースペース／匿名希望の20代女性】中村
クルト・コーゲルさんのレッスンを待っている女性とお話しました。インタビューなんて！と恐縮されていましたが、ぽつぽつ喋ってみると、かなり深い経験をされている様子。
10年ほど前にコンタクト・インプロビゼーションのことを知り、5年ほど前からコンタクトのワークショップに参加されているそうです。　普段は普通の会社員をしている、という彼女ですが、毎年ゴールデンウィークはコンテンポラリーダンスを楽しまれているそう。去年はイニャーキ・アスピラガ氏のレッスンを通しで、今年はクルト・コーゲル氏のレッスンを通しで受けておられます。かなり、本格的に好きな方のセレクションではないでしょうか？
ダンスが日常生活の役に立ったことはありますか？という質問を投げかけてみると、面白い経験を話してくれました。
コンタクト・インプロビゼーションでは、自分の力と相手の力をうまく合わせていきます。そのおかげで、職場の対人関係が、少しスムーズにいくようになったそうなのです。
以前、彼女は自分の主張を前に、前に押し出そうとしていたそうです。でも、周りに主張を受け入れてもらえなかったりと、うまく協力体制を作るのが難しい。そんな中で、コンタクトの「自分の力と相手の力と合わせる」経験をされました。その感覚をとおして、職場でも相手と自分の力を合わせることができるようになってきた、とのこと。自分の主張と相手の主張を合わせ、ひとつの形になるように積み重ねていくことができるようになってきているそうです。
ダンス=非日常の経験を通じて、日常を変える。ダンスの新しい可能性を感じました。


たった6人のわらしべ長者的インタビューでしたが、焦点のようなものを掬い取れたように感じました。

　・内側にフォーカスすることと、解放すること
　・継続すること
　・スローな状態が発見を促すということ
　・周りを受け止め、大切にすることで生み出される魅力

撮影：宇佐美偉丈

時代は休むことなく進歩と発展を続けてきましたが、その動きにも陰りや限界が見えてきています。そんな中で、こうした価値観が浮かび上がってくることは、ごく自然なことなのかも知れません。ダンスという身体メディアを通じて、健全な方向に時代がシフトしていく流れが生まれている･･･そう考えてもいいのではないでしょうか。停滞ではなく、新たな“はじまり”を予感出来ました。

インタビューにご協力下さったみなさまに、心からの感謝を申し上げます。ありがとうございました！

亀田恵子（かめだ・けいこ）
大阪府出身。2005年日本ダンス評論賞第1席受賞、評論活動をスタート。2007年京都造形芸術大学の鑑賞者研究PJT.に参加、Arts&Theatre→Literacyを発足。会社員を続けながらアートやダンスを社会とリンクすべく模索する日々。

中村まや（なかむら・まや）
大阪府出身。2005年ペルー留学中、たまたま暗黒舞踏に出会い、コンテンポラリーダンスに興味を持つ。現在商社で働きながら、暑い夏のワークショップやサルサを通じ、よく動く体づくりを試みる。

C-1　室伏鴻
「舞踏」を通じて身体の可能性/不可能性について考えます。「踊ること」をいったん自然の懐にかえすところから、「舞踏」の身体を複数の出会いの場とします。自らの身体の潜在する力を開き、鍛え、自由な創造と遊戯の過程から「舞踏」に出会います。参加者の年齢や経験は問いません。ともに身体を動かしましょう。

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KO MUROBUSHI　室伏鴻　（日本／東京）
舞踏における身体のエッジを模索する稀有な存在として、熱い注目を集めている。’69年土方巽に師事、’72年「大駱駝艦」の旗揚げに参加。’78年パリで「最後の楽園―彼方の門」を公演し、舞踏が世界のBUTOHとして認知されるきっかけとなる。’00年から『Edge』シリーズで欧・南米を中心に意欲的に活動。’03年Ko&Edge Co.を立ち上げ『美貌の青空』を発表、新しい舞踏を切り拓く作品として多くの批評家から絶賛を浴びる。 ‘06年ヴェネチア・ビエンナーレにて「quick silver」を上演。IMPULSE TANZ（ウィーン）やアンジェ国立振付センターなど指導者としても世界各地で活躍している。

　「コンテンポラリーダンス」という世界に身を入れて、ちょうど3年。公演を見に行くたびに、折込チラシの中に「舞踏」という言葉がある。フランスに行ったときにも、向こうのアーティスト、テクニシャンに、「BUTOH」について聞かれる。インターネットで調べれば、土方巽さんがいて、大野一雄さんがいて、山海塾があり、大駱駝艦がある。誰が誰のところで学び、どういうことが行われて、今に至るのか知ることができる。たくさんのことを調べてみたものの、よくわからなし、折角のチャンスなので、受講させていただいた。
　日本より、海外での活動が多い室伏さん。「Ko Murobushi」として、見聞きする方が多いんだと思う。初日は、自己紹介だけで、７割方終わり。しかし、十二分に楽しかった。室伏さんの話は本当に面白い。
初っぱなから、
「えーーーーーっ！！　いいんですか、そんなこと言って！！」
となった。
　この内容については、受けた人とか、その周りの人の楽しい秘密としておこう。私の口からだと、この面白さは伝えられないと思う。機会があれば、ご本人から聞いてみてほしい。面白いこと、間違いなし。

撮影：庵雅美

ワークについて。
まずは、軽いランニングから始まる。
次に、呼吸に合わせて、体を動かしていく。息を吐きながら、口、首、胸、肩、肚、腰、膝と緩めていって、横から見ると、体がS字に見えるようにしていく。次は、逆順に、体をI字にしていく。このSとIの状態が、「0の状態」だそうだ。「無」でも「虚」でも、イメージとか意味がつきすぎるそう。「0の状態」は、いつでも始められる、フラットな状態という感じだろうか。
　それから、両足を開いて、真直に立ち、上体を吐く息に合わせて体を倒し、吸うに合わせて体を起こす。前に、左右に、呼吸に合わせて、徐々に大きく、早くしていく。室伏さん曰く、この動きは、サプライズからくるということで、
「ゴキブリが現れた！！」「ハンサムが！！」「美女が！！」
と、室伏さんが叫び、みんな笑いながら凄い勢いで頭を上下させる。
クラスの中では、いろいろなことを即興でやった。足を広げて、直立している状態から、急に腕が木になる。腕の次は、足が木になる。そして、ゆっくり溶けていく。右半身、左半身、全身、腕だけ、足だけなど、いろいろなパターンで、固まる。このときのイメージは、ピノキオ、ロボット、ターミネーターなどとのことで、
「ガキン！」「シュー！」「ファッ！」「ダハァ！」「カァッ！」
と、やはり叫びながら動いた。このときも、クラスの中は笑いがいっぱいで、体を動かすのが本当に楽しいと思った。ほかにも、鳥になったり、ばたばた倒れたり、爪先立ちから鳥になって、土方巽になって、美しくワルツを踊るなんてこともやった。
　WS中盤に死体になるということ、そこから生き返ってくるということをやった。体から、体温が無くなっていって、凍えてくる。体は縮こまり、赤子のようになっていく。体全体が硬直して、指先さえ動かない、声も出ない、目も口もうまくは開かない。「体が動かない」というイメージを体に植え付けていく。呼吸はしているが、自分が呼吸していることを自分に気づかせないような、本当にかすかな呼吸にする。そこから、指先から少しずつ動くことを確認していく。凍ってしまった体に、少しずつ熱を入れていくようなイメージ。徐々に、徐々に「体が動く」という感覚を取り戻して行くようなイメージで、体に意識を通していく。じっくりと時間をかけて体に問いかけていくと、体がイメージと同化していって、集中しているせいなのか、時間感覚もよくわからなくなるし、体の感覚は自分からはなれていくような感じがした。

撮影：庵雅美

ショーイングでも、死んで、徐々に生きてくる。指先から、足先から、動いていって、痙攣のようにもなってくる、というのをやった。これは、非常に難しかった。自分の体が死に近い状態から、生き返ってくる。どうしても、なりきれないというか。そういう風に見せようと、意思で動かしてしまった。そうなれば、偽物でしかなくなって、活きた実感のないものになってしまった。死にきれなかったし、生き返ることもできなかった。クラスの中でやったときは、非常にしっくりと来ていて、時間をかけて、死に、生きた。体の動かし方を一切忘れて、また思い出す。そんな感覚だった。自分の体を一度捨ててしまうような感じがして、今まで得たことのない経験をした。体の感覚も非常に面白かったのだけど、あんなに楽しく踊ったのも久しぶりだった。本当に楽しんだ。

また受けたいなー。

（参加日：全通し）

辻本佳（つじもと・けい）
三重大学在学中にダンスを始める。「京都の暑い夏」主催オーディションに合格し、’08京都×アンジェ交換研修生制度に参加、’09カーン国立振付センター Company Fattoumi Lamoureux 振付作品『Just to Dance』にて、フランス国内ツアーに出演し、9月には日本での上演を予定している。昨年より、京都に居住を移し、ひっそりと活動中。

F　マタン・エシュカー
コンテンポラリー・ダンスって何?どんなことするの?そんな疑問に応える、毎年大好評の通称「サラダ・ボール・プログラム」。ダンスに興味ある方へのイントロダクション・クラスです。世界で活躍する講師による様々なスタイル、考え方のダンスに触れることができます。

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MATAN ESHKAR 　マタン・エシュカー　（イスラエル／テルアビブ）
ヨガ指導者。ニューヨークのDNA(Dance New Amsterdam)やNew York Yogaにて講師として活躍。現在はイスラエルで、インバル・ピントダンス・カンパニーや、バッドシェバなどのプロフェッショナル・ダンサーへの指導を行っている。彼のヨガは古くからあるヨガの知恵を現代生活に適応する言語に置き換えた革新的で独創的なもので、ヨガ指導者のための指導も行い、アメリカ、ヨーロッパ、メキシコなど世界各地で指導を行っている。ダンスやスポーツでの負傷や再訓練、痛みのケアなどに特化したクリニックも行っている。昨年来京し、その的確な指導が評判を呼び今回の招聘につながる。

　京都国際ダンスワークショプフェスティバル、通称『京都の暑い夏』では、ダンスに関してさまざまな切り口からワークショップのプログラムが組まれています。例えば「A.ダンスメソッド」では身体の構造、空間、時間、エネルギー、創造性などダンサーとしての総合力を養うようなプログラムが、「B.ボディー・コンディショニング」では身体への気づき、構造の理解から身体と意識を繋いでいくこと、「C.クリエイション＆リサーチ」では国際的に活躍している振付家が創作のキーとなる考えやプロセスを参加者とともに探求するプログラムなどが設定されています。他には「D．コンタクト／インプロビゼーション」ではダンサーのみならず、コミュニティ・アートやカウンセリングなどにも影響を与えているコミュニケーション手段としても注目されているメソッドですが、「自分と他者」を身体ムーブメントから考えていく興味深いプログラムや「E.メディアとダンス」「G．こどもとおとな」など、ダンスに近接した新しい側面にも触れられるプログラムが設定されています。こうした一連のプログラムの中でも、もっとも『暑い夏』らしいプログラムが「F.ビギナークラス」だと思います。このクラスは日替わりで（時には2日間連続で）、AからDの講師が初心者向けのプログラムを提供してくれます。さまざまな視点で展開されるダンスプログラムは、色とりどりの新鮮な野菜が盛りつけられた「サラダ」に似ているとから「サラダボウル・プログラム」とも呼ばれています。私は毎年、この「F.ビギナークラス」に参加しているのですが、今年はワークの見学とアフタートークのナビゲーションで参加しました。アフタートークというのは、ワークショップ参加者がワーク終了後に講師を囲んでワイワイ話をするというもの。これも新たな『暑い夏らしさ』として、定着しつつあるコーナーですね。

撮影：庵雅美

　私が『暑い夏』に関わりはじめたのは2007年のアンケート解析からですが、その当時アンケートの回答者のほとんどが「ビギナークラス」の受講者でした。さらに、ビギナークラスの方がワークショップに参加したきっかけとしてあげていた理由の大半は「ヨガに関心があって」「身体そのものへの関心が高まって」というものでした。ダンスに興味を持ちはじめた方が身体そのものへ興味を深めていったり、身体を深く見つめるヨガに興味を持つ方がダンスの起点に立つということは、興味深いことだと思います。ダンスをするにあたって（というよりも、人が生きていく中でも）身体を見つめる作業は、とても本質的な部分だと思うからです。
　私が担当したアフタートークの1日目は、イスラエルから来日したマタン・エシュカーさんのクラス。マタンさんはアメリカやヨーロッパ、メキシコなど世界各地でヨガの指導を行っておられますが、イスラエルではインバル・ピント・ダンス・カンパニーやバットシェバ舞踊団などのプロダンサーにヨガの指導をされているそうです。『暑い夏』では、「B.ボディー・コンディショニング」クラスで指導をされました。
　ビギナークラスでのマタンさんのワーク、スタートにあたって通訳を務めた坂本公成さんは、こんな質問を参加者に投げかけました。「ヨガは初めてという方はいらっしゃいますか？」すると、8割くらいの方が挙手。参加者の多くが、こらから正に初めてのヨガ体験をするという場になりました。マタンさんは「今日はヨガで大切にしている基礎をお伝えしたいと思います。」と話され、「解放すること／関係性を開いていくもの」「これからのワークは、自分のために自分の声を聴くことを大切にする」といったことをキーワードにあげていました。
　ワークは床に寝そべった姿からスタートし、常に呼吸と動きが連動するように意識するよう促されます。同じ動作をゆっくりから徐々にスピードUPするなど、途切れない呼吸と動きとリズムが大切にされていきます。ワーク全体では、寝た姿から四つん這いを通して立位、寝た姿で終息へ･･･という流れがありました。また、ポーズの１つ１つには名前があって（太陽礼拝のポーズ、立ち木のポーズなど）、名前からイメージ出来るような動きが型になっていました。例えば、立ち木のポーズでは、腰から下は木が根を張るように重心を降ろすようにイメージし、腰から上は青空を見上げるように意識を上へと昇らせるというように。動きの１つ１つを覚えるのが苦手はビギナーの方は、ポーズの名前からイメージを膨らませることも有効かも知れません。マタンさんにも確認してみたのですが、ビギナーにはそういったアプローチでも問題ないでしょうとのことでした。

撮影：庵雅美

　ワークでは終始、参加者のみなさんの呼吸の音が静かに聴こえるような静けさがあり、さらにマタンさんのお人柄もあって、和やかで心が落ち着くような場でした。アフタートークでは、こうした場の心地よさを崩さないようにしながら、深い感覚の中にある参加者それぞれの体験を言葉に出来るように場をつくっていきました。
　アフタートークにあたって、マタンさんからのリクエストは「ヨガについての参加者の認識」を知ることと、今回のフェスティバルのテーマである「Dance&Environment／ダンスと環境」から、「人は自然やオフィスの快適さといった“外”の環境には敏感だけど、精神の穏やかさや静けさを保つための“内”なる環境には鈍感だと思う。」といった投げかけから参加者とディスカッションしたいということでした。
　マタンさんを囲んでトークはスタート。先ずヨガに対する認識を聞いてみると「日本ではヨガはダイエットに効果があると思われているのではいか？」「セレブなイメージ（笑）！」という反応がありました。これにはマタンさんも笑顔でレスポンス。あとは「身体が柔軟な人がするもの」という反応もあり、これについてマタンさんはワークの中で「ヨガをする人によって、身体の柔軟さは違う。大切なのは、ポーズが行おうとすること＝例えば腕を上げるということを意識して、出来る精いっぱいのことを行うことに意味がある。」とおっしゃっていました。別の参加者からは「ヨガをしている友人から、ヨガの大切な考えは“捨てること”だと言われたが、よく分からない。」というものがありました。これに対してマタンさんは「日々暮らしていると、家の中にはゴミが出ますよね。ゴミを捨てないと、やがて家の中はゴミだらけになってしまいます。フルートも詰まっていると音が出ません。それらは、新しく入れるために捨てるものです。身体でいえば、緊張を取り除くことが捨てるといえるのではないでしょうか。余分な緊張が身体にあると、新たに動きはじめることが難しい。」ということが語られます。さまざまなことを抱え込み、もっともっと、さらにさらにという日々の暮らしが私自身の中にふとよぎって、ちょっと心がピリリとしてしまいました。
　マタンさんはトークの最後に、“内なる環境”にテーマを移し、人が生きていく中で身体と向き合い、きちんとケアやメンテナンスすることの大切さ、環境に責任を持つ能力（レスポンサビリティ）が、これからの時代には重要になってくるのではないかとお話されました。内なる環境に敏感になることで、自然や社会といった外に広がる環境にも繊細にコンタクト出来るのかも知れません。ヨガのワークが、こうした一連の好循環に寄与してくれるのではないか･･･マタンさんのワークとアフタートークを通して、そんなことを感じました。うーん、私の中では、きちんとゴミ出し出来ているかしら？

（見学日：4月29日）

亀田恵子（かめだ・けいこ）
大阪府出身。2005年日本ダンス評論賞第1席受賞、評論活動をスタート。2007年京都造形芸術大学の鑑賞者研究PJT.に参加、Arts&Theatre→Literacyを発足。会社員を続けながらアートやダンスを社会とリンクすべく模索する日々。

A-2　アリーヌ・ランドゥロー
身体への意識を高めることで、自分自身が望む動きへと身体を近づけていきます。即興的なムーブメントと、振付けられたムーブメントの間を行き来するワークを行います。自分自身の動きと、他者の動きを往還すること。そうする中で自己と他者への意識を高め、重心、空間、そして内なる音楽性への意識を発展させていきます。
（編集注：東日本大震災のため来日を中止したレスコプ氏の代講を、ランドゥロー氏が務めました。経緯は、事務局のウェブサイトをご覧ください。）

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ALINE LANDREAU　アリーヌ・ランドゥロー　（フランス/アンジェ）
大学にて哲学を専攻した後、アンジェ国立振付センター・コンセルヴァトワール（CNDC）に入学。以降、同センター芸術監督エマニュエル・ユインの作品や、ロイック・テュゼ、ヴィンセント・デュポンの作品をヨーロッパ、フランス各地で踊る。’06年『Monster Project』を通じて、坂本公成＋Monochrome Circusとのコラボレーションを開始、日仏で作られた２作品に出演。2009年にはCNDCの「振付家養成コースEssais」に進み、「知覚のプロセスを探求する」という考えの元に、コレオグラフィーについての探求を進めるとともに、エクスペリメンタル・ミュージック、舞台美術、パフォーマンス、インスタレーションやヴィデオなどとの様々なコラボレーションを展開した。一方で、この数年は、ポストモダンダンスの与えた財産や身体技法、そして即興的な文脈に対する感心に則りダンス指導にも携わってきた。新進振付家による共同体”Météors” での創作活動に従事している。

　『京都国際ダンスワークショップフェスティバル』に参加するようになって、今年で足かけ5年になりました。今年は個人的に怪我をしてしまったので「体験をレポートする」というスタンスではなく「何が起きていたか目撃する」というスタンスで書いてみたいと思います。

撮影：庵雅美

　アリーヌさんのワークショップを見学したのは、彼女のワークショップの3日目（全体で9日間ありました）。ワークショップの会場となった京都芸術センターフリースペースの扉を開けて中に入っていくと、すでにワークはスタートしていました。私は参加者のみなさんがいらっしゃるフロアより少し高い位置の階段上に腰かけて様子を伺うことにしました。ワークは参加者がフロアの上を静かに歩いているような場面でしたが、空気がちょっと不思議な感じです。見た目にはとても静かなのですが、参加者の集中度が高いので大変な熱量がそこには漂っているような雰囲気がありました。集中が生み出すエネルギーが参加者の目線の高さで静かに対流している･･･そんな景色が広がっていました。次に参加者がアリーヌさんの静かな声に従って動きだすと、空気もいっしょに動きだしました。もしこのとき空気に色をつけることが出来たとしたら、会場内には参加者の数だけ色とりどりなラインが描かれていたような気がします。歩き出すだけで、こんなにきれいな光景が生まれるんだなって驚きました。アリーヌさんは歩き続ける参加者に次のような言葉をかけていました。「wellcome･･･視界から飛び込んでくる空間にあるものを歓迎して身体の中に入れてみましょう。」「耳から聴こえてくる音も歓迎して。環境を知り、発見していきましょう。」「他の人の存在も忘れないで。」「舞台に立つダンサーは下を向いてばかりではないですよね？内側を見ているだけではないはずです。」「目に入ってくるものを捕まえるのではなく、歓迎していきましょう。」

撮影：庵雅美

　この日の彼女のワークは、目を閉じたり開いたり、音を普段よりも敏感にして耳をすませたり、肌で触れたりというようなワークを通して、人が本来持っている「五感」を開いていくことを試みていたように思いました。その中でも特にユニークだったのは、後半に参加者たちがペアになって会場の外に出ていって展開されたワーク。ペアの内1人が目を閉じ、もう1人が目を閉じている人をガイドするのですが、ここでとても興味深いことが起きたんです。彼らにとっての「ガイド」は単に目を閉じている相手を連れ歩くことではなく、視覚以外の感覚で場にあるものを見るよう促すことだったのです。例えば、あるペアが会場から出ていくときのことです。ガイド役の人が会場の扉をそっと開けます。すると、目を閉じている人は頬に伝わる新鮮な外気や、一歩踏み出した足元の冷たい感触から自分が外に出たことを感じるわけです。そこから歩き出すと、さまざまなものがガイドを通して手に触れさせられ、自分が歩き出した場所にいろいろなものがあることを発見していく。これは、目を開いているときには当然すぎて見過ごしているものばかりだと思います。でも、目を閉じている人は何かを発見するたびに表情を輝かせているようでした。彼女の中で今、世界がどんなにイキイキと新鮮に受け止められているか、私は想像しただけで羨ましくなってしまいました。目を閉じて信頼出来るパートナーと歩く･･･ただそれだけで、日常空間が果物を切った瞬間の連続のように瑞々しくなってしまうことに驚かされます。

撮影：庵雅美

　ダンスは、世界の鮮度を輝かせる旅なのかも知れない。そんな風に感じたワークショップでした。

（見学日：5月1日）

亀田恵子（かめだ・けいこ）
大阪府出身。2005年日本ダンス評論賞第1席受賞、評論活動をスタート。2007年京都造形芸術大学の鑑賞者研究PJT.に参加、Arts&Theatre→Literacyを発足。会社員を続けながらアートやダンスを社会とリンクすべく模索する日々。

D-3　クルト・コーゲル
空間における身体の知覚、感覚を探求する／場と関係性を創造する／流動する／開き続ける／場を区切る。他者と触れ合う中で動きがどのように変わっていくのかを体験します。空間と関係性に耳を澄ましながら、より豊かな気づきを得ていきましょう。そして、空間での共振を深めるためにシンプルな選択をすることによって状態を変容させていきます。ストラテジーやツールを理解し使いこなすことで、構成されたかのような即興的なパフォーマンスが現出するでしょう。

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KURT KOEGEL　クルト・コーゲル　（ドイツ／フランクフルト）
分析的かつ丁寧な彼のコンタクト & インプロヴィゼーションの指導は、あらゆる受講者に好評を博している。ニューヨークでダンスと建築を10年間学んだ後、拠点をヨーロッパに移し、パフォーマー、振付家そして指導者として活動している。ウルティマ・ヴェス、ローザス、ガロッタ、PARTSなどヨーロッパの一流カンパニーなどで指導を行っている。ヨガ、フェルデンクライス、ボディ・マインド・センタリング、ロック・クライミングなどの知識を活かし、より効果的な指導を探求し続けている。目標とするところは、自然と社会環境に対する理解を踏まえた、より効果的なコンテンポラリーダンスの享受方法を探求すること。フランクフルト音楽・舞台芸術大学教授兼コンテンポラリー・ダンス教育学研究科学科長。

　「ダンスを言葉にすることの意味」って何でしょうか？そもそも「言葉では表現出来ないこと」がダンスとして生み出されているとも言えるわけです。それをわざわざ言葉にして、いったいどんな意味があるのか･･･。今年の「京都の暑い夏」の初日、私はこんなことを考えながら会場に到着しました。もちろん「ダンスを言葉にする」といっても、それはさまざまな事柄を含んでいますから、到底ひとことでは言えるはずもないことです。でも、例えばこうしたワークショップの場において講師の方がダンスを伝えるために使う言葉にはどんな意味があるのかを探ってみることは可能ではないでしょうか。

撮影：庵雅美

　今年の「暑い夏」には、ドキュメントチーム（こうしてレポートを書いたり写真や記録映像を撮影しています）が溜まっている部屋がありました。ここには編集作業をするための机やパソコン、映像が見られるDVDプレイヤーなどが置かれている他、ボディケアが出来るブースもあったので、常にドキュメントメンバーやダンサーなどさまざまな人が出入りしている場所になっていました。私はそこでスタッフの方とおしゃべりをしていたのですが、ある時この部屋にクルト・コーゲルさんが入っていらっしゃいました。穏やかな笑顔で「こんにちは」と声をかけて下さったクルトさんですが、実はフランクフルト音楽・舞台芸術大学で教授兼コンテンポラリー・ダンス教育学研究科の学科長を務めるというすごい方。直接お話する機会は少なかったのですが「ダンスを教える上で、言葉にしていくことはとても大切」ということをおっしゃっていて、彼のワークを拝見すれば「ダンスを伝えるために使う言葉の意味」についてヒントを得られるような気がしました。

撮影：庵雅美

　クルトさんのワークショップは、フロアの中央に参加者を集めることから始まりました。参加者の輪の中でクルトさんは「昨日のテーマは何でしたか？」等、日本語で語りかけますが、時々言い間違えて照れ笑い。彼のナチュラルさが場を和やかにしていくのがじんわり伝わってきます。英語圏の彼が日本語を使ってコンタクトワークを行おうとしている姿を見ていると、近づこうとする気持ちが相手（この場合は参加者）との距離を縮めていくのだと感じました。和やかな笑い声と心地よい集中力がこのクラスにはあふれていて、クルトさんと参加者の間にはとても強い信頼感があることがわかりました。
　彼の指導はヨガやフェルデンクライス、ボディ・マインド・センタリング、ロック・クライミングなどの知識の集積から生み出されたもので、他のダンサーと視点が異なる点は「ダンスの教授法の探求」に彼の想いが最も強く注がれているところ。「踊るためにどうすればより伝えられるか」に心が砕かれているワークショップなんて「世界一受けたい授業」に推薦したいくらいです（笑）。クルトさんは、ワークショップ参加者のみならず、見学していた人たちもフロアに集めて説明をして下さいました。彼の温かな人柄がさらに場の質を高めていたと感じましたが、ここには配慮と戦略の両方の意味があったのではないかと思います。
　残念ながら、クルトさんのワークを最後まで拝見することは出来なかったのですが、印象的だったシーンをご紹介したいと思います。それは、参加者がペアになってのワークで、互いに腕と腕を合わせ、一方が相手をそっと押し、押された方は同じ力で押し返す（＝均衡を保って静止する）というもの。これをさまざまな伝え方で試していきますが、ここでは相手の力を感じ取れるように繊細に行うことがポイント。あるペアの場合は、片方の人がさまざまな動きにトライしようとしているのですが、相手が受け止めきれずに戸惑っている様子でした。するとクルトさんは、参加者を集めてあるペアの動きを見るように促しました。そのペアは片方の人が指先1本で相手に力を伝えていましたが、とても自然に動きが生まれていきます。繊細な作業の中にも落ち着きがあって、とてもきれいな動き。クルトさんは「たくさんのアイデアを持っていると、つい強要してしまいがちですが、シンプルに。止まった瞬間を味わいましょう。音楽家は99%を聴いています。」とコメント。私は彼の鋭い観察力と適切なファシリテーションに大感激してしまいました。

撮影：庵雅美

　ダンスを言葉にすることの意味･･･そこには、伝えようとする人の豊かな経験と細やかな配慮、未来に向かって育とうとする人たちの限りない可能性があるのだと感じました。言葉だけで伝えられないこともたくさんあるけど、言葉にしないと伝えられない大切なことも同じくらいたくさんあるんですね。

（見学日：5月1日）

亀田恵子（かめだ・けいこ）
大阪府出身。2005年日本ダンス評論賞第1席受賞、評論活動をスタート。2007年京都造形芸術大学の鑑賞者研究PJT.に参加、Arts&Theatre→Literacyを発足。会社員を続けながらアートやダンスを社会とリンクすべく模索する日々。